Bailando sobre el volcán en Berlín

Al fin logré sacar un ratito para acercarme a la exposición del Ephraim Palais "Tanz auf dem Vulkan" (Bailando sobre el volcán) con subtítulo "Das Berlin der Zwanziger Jahre im Spiegel der Künste" (El Berlín de los años veinte reflejado en las artes).

No puedo más que recomendaros encarecidamente que vayáis a visitar esta maravillosa muestra.

Paul Grunwaldt, Varieté, 1925 © Stadtmuseum Berlin | Foto: Michael Setzpfandt

La leyenda de los Dorados años 20 nunca abandonará Berlín, al menos así lo espero. Sí es verdad que algunos de los antiguos cabarets de Berlin y su flair han vuelto a revivir, con locales reabiertos, espectáculos y musicales con esa temática (lo sabrás y verás todo en mi tour "Berlín: Sexo, drogras y Charlestón"). Pero lo cierto es que a veces echo de menos que se preste un poco más de atención a una época determinante en la historia y el presente de esta ciudad.

Por suerte, hasta el 31 de enero del 2016 los interesados en tan intensa era, podrán disfrutar de una magnífica exposición en el Museo Ephraim Palais, titulada "Tanz auf dem Vulkan"

>>> CONTINUAR LEYENDO EL ARTÍCULO ORIGINAL EN HOLABERLIN <<<

 

Otto Reutter

Otto Reutter (24 de abril de 1870, Gardelegen; 3 de marzo de 1931, Düsseldorf) cantaba algo que en alemán no existía, puesto que no había un nombre específico o traducción exacta para Chanson ni Couplet. Algunos llamaban a esto “das Song”, es decir, la canción. Así como el idioma francés no tiene “le Lied” (juego de palabras con el artículo le, “el” en francés, y Lied, “canción” en alemán), el alemán no posee una palabra específica para Chanson. 

Era cantante y cómico así como el autor de los textos que interpretaba. Menos conocida es su faceta de actor con películas como, entre otras, “Otto heiratet” (Otto se casó), de la que lamentablemente no queda nada que se pueda visualizar más que esta fotografía. 

 

Pese a las negativas de su padre, Otto tenía muy claro desde joven que quería subirse a las tablas. Con 25 años logró firmar un contrato con el Apolo Theater de Berlin. Los escenarios de la metrópolis no conocían nada parecido a lo que Otto les proponía. Aunque en un principio el público berlinés quedó desconcertado con el nuevo humorista, se mostró pronto entusiasmado con él y la crítica lo alabó ampliamente. 

Asimismo, a partir de 1919, colaboró con el periódico Berliner Ulk, cuyo director era por aquel entonces el ya mencionado Kurt Tucholsky. 

Entre 1915 y 1920 alquiló y fue director del Palast-Theater am Zoo de Berlín. 

Otto Reutter, en palabras de Tucholski, era un artista y un patán. Tuvo una convicción política de la que nunca se apartó aunque eso hubiera favorecido un mayor éxito y un curioso aspecto, ojos saltones y barrigudo, que lo hacía parecer de todo menos un artista.
Sus couplets no solo plasmaban con gran audacia los acontecimientos sociales de la época sino que también suponían un consuelo en aquellos duros tiempos de escasez. En ellas se reía de todo, incluida la situación política, las controversias que se sucedían en el Reichstag, se reía del eterno enemigo. En definitiva, reflejaban el espíritu de los tiempos de una manera impresionante, algo que no le impidió hacer el engorroso idioma alemán. Un idioma que el utilizaba de un modo muy particular, a ratos de manera algo tosca, pero fundamentalmente satírica. Con sus temas conseguía sencillamente que la gente riera, y mucho. 

Otto Reutter tenía pues dos grandes cualidades: gran sentido del humor y una admirable técnica. Su inquietud creativa dio para que escribiera más de 1000 piezas. Muchas de ellas fueron grabadas acompañado de una orquesta (Orquesta Gramophon bajo la dirección de Paul Godwin) y otras veces sencillamente por un piano. 

En los Dorados Años 20 actuó incansablemente en Berlín, sobretodo en el Wintergarten Varieté. Trabajaba tan a menudo en la metrópoli que finalmente se compró una casa en el barrio de Wilmersdorf. 

Fue un trabajador empedernido que viajó por toda Alemania con su espectáculo. Antes de la I Guerra Mundial había cosechado gracias a éste, una pequeña fortuna. La hiperinflación de los años 20 hizo que perdiera, sin embargo, gran parte de su patrimonio. Esto solo hizo que siguiera trabajando con más ahínco. 

Lemper y Weill, un binomio muy especial

El binomio Kurt Weill y Ute Lemper nos viene a demostrar como la música berlinesa de los años 20 continúa perpetuándose a través de los años de la mano de artistas polifacéticos y geniales.

Definir a Ute Lemper como actriz y cantante es quedarse muy corto. Su vasta y variada carrera ha ido dejando una profunda huella en escenarios teatrales, películas, conciertos y, como no, en sus propias grabaciones. Ha sido universalmente alabada por sus interpretaciones de las canciones del cabaret de Berlín, los trabajos de Kurt Weill y Bertolt Brecht y el Songbook francés así como por sus propios trabajos y composiciones con clara influencia jazzistica. Sobre las tablas del teatro son más que remarcables sus interpretaciones en Broadway, Paris y Londres.

Ute nació en Münster, estudió danza en Colonia y teatro en Viena. Terminados sus estudios comenzó ya una imparable y pródiga carrera artística. Destacables son sus interpretaciones como Sally Bowles en el Jerome Savary's Cabaret de Paris por la cual recibió el premio Moliere a la mejor actriz de Musical. También interpretó a la cabaretera Lola en la obra “El Ángel Azul” a su paso por Berlín. Y colaboró con Pina Bausch y su teatro de danza en la creación de la Weill Revue.

Actualmente Ute Lemper recorre el mundo con varios espectáculos diferentes a la vez. Canta, dada esta variedad, en seis idiomas distintos: ruso, yiddish, español, inglés, francés y, por supuesto, alemán. 

Su incuestionable gusto por el cancionero alemán de los Años Dorados queda constatado en muchos de sus espectáculos. Por ejemplo, en la serie de conciertos con la Lincoln Orchestra con Wynton Marsalis a la cabeza, cuyo programa fue dedicado por completo a la música de Kurt Weill. En sus recitales, acompañada casi siempre solo por un piano, también incluye a Weill y Bertolt Brecht, interpreta canciones del Cabaret berlinés, rinde homenaje a Marlene Dietrich,... 

En sus discos también queda reflejada esta pasión. Ejemplos los tenemos en títulos como Ute Lemper Sings Kurt Weill (Vols. I y II), La ópera de los tres centavos, Mahagonny Songspiel, Illusions, Life is a Cabaret y Berlin Cabaret Songs (con versiones en inglés y alemán).

También grabó un disco titulado Punishing Kiss, con canciones compuestas para ella por artistas como Elvis Costello, Tom Waits, Philip Glass, y el mismísimo Nick Cave.

Kurt Weill nació en Dessau en 1900 y con 18 años se trasladó a Berlín para estudiar composición en la Academia Superior de música con Engelbert Humperdinck y cursó también estudios musicales en la Universidad Friedrich Wilhelm. Estudios que no terminó porque decidió volver a Dessau. En 1921, no obstante, regresó a Berlín para hacer una maestría con Ferrucio Busoni, el considerado por las jóvenes generaciones musicales como el más significativo compositor del siglo XX. Un año después conoció al famoso dramaturgo expresionista Georg Kaiser y en casa de éste se topó con la que sería su mujer en poco tiempo, Lotte Lenya. En menos de un año ya vivían juntos y al siguiente se casaron. Ese mismo año Weill compuso su primera ópera para un libreto de Georg Kaiser llamado “El Protagonista” (cuya premiere tuvo lugar en la Ópera Estatal de Dresde el 27 de marzo de 1926).

Weill comenzó a buscar un nuevo libreto en el que trabajar y a finales de abril de 1927 encontró a Bertolt Brecht. La primera producción llevada a cabo por ambos fue Songspiel Mahagonny, cuya premiere en el Festival de Baden-Baden fue todo un escándalo.

En mayo de 1928 viaja, junto a Lotte Lenya, Brecht y Helene Weigel, a la Riviera francesa, lugar que vio nacer y desarrollarse una gran parte de la famosa “Ópera de los tres centavos” que se estrenaría el 31 de agosto en el Theater am Schiffbauerdamm de Berlin. Nadie era consciente entonces de que estaban ante una de las más exitosas obras de teatro del siglo XX.

El trabajo junto a Brecht continuó con obras como Happy End, Berliner Requiem, dem Lindberghflug y “Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny”. El estreno de ésta última tuvo lugar en Leipzig el 9 de marzo de 1930 siendo recordado como el mayor escándalo en la historia del teatro de la República de Weimar. Llegaron a sufrir boicots.

En 1931 la colaboración entre Weill y Kurt llegó a su final. Así como también llegó a su final la estancia en Berlín a la llegada del nacionalismo al poder. Se vio obligado a huir a Francia en 1933 y en ese mismo año de divorció de Lotte Lenya.

A continuación, os dejamos con algunas de las puestas en escena de Ute Lemper cantando por Kurt Weill.







ç

Alabama Song: la historia de una canción

Alabama Song es el tema más conocido de la Ópera de tres actos de Bertolt Brecht y Kurt Weill „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ (Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny).

Alabama Song apareció por primera vez en una colección de cinco poemas publicados por Bertolt Brecht en 1927, llamada „Die Hauspostille“. Fue escrita en inglés e interpretada por él con su propia música por escenarios de todo Berlín. Pronto se le acercó el que sería en un futuro cercano un gran colaborador, el compositor clásico Kurt Weill, quien estaba impresionado por la poesía de Brecht y que quería ampliar sus posibilidades componiendo música para sus textos con la intención de potenciar así el dramatismo y la sátira que contenían. 

La canción fue acompañada a partir de entonces por la música de Weill y presentada al público en el Festival de Baden-Baden de 1927 bajo el nombre “Songspiel Mahagonny”, siendo Lotte Lenya (esposa de Weill) la que cantara la voz principal. La recepción de la obra por parte del público fue muy controvertida, abucheándola y aplaudiéndola a partes iguales. 

Al regresar a Berlín, Brecht y Weill se pusieron a trabajar en una versión ampliada de Mahagonny, teniendo que aplazar este trabajo para poder terminar la aclamada Ópera de los Tres Centavos (Die Dreigrosschenoper).

Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny fue puesta en escena por primera vez en Lepzig allá por 1930, con la Alabama Song interpretada por el personajes de Jenny y sus compañeras prostitutas. La canción siempre fue cantada en inglés aunque el resto de la ópera es toda en alemán originalmente.
Aún no siendo parte del elenco de actores en la producción de Leipzig, Lotte Lenya grabó la canción para el sello Ultraphon en 1930. 

De hecho, Lotte Lenya continuó interpretando esta canción a lo largo de toda su carrera. Esta que podéis ver es una versión de 1958. 



Casi tanto como la contemporánea „ Die Morität von Mackie Messer (‘Mack The Knife’), Alabama Song ha pasado a ser un clásico, grabado e interpretado cientos de veces por muy diversos artistas, entre ellos, The Doors, Marianne Faithful, Nina Hagen e incluso la inigualable Bette Midler. 

Aquí tenéis una versión muy especial de un cantante que vivió en Berlín en los 70 y que en 1978 hizo su propia interpretación de Alabama Song el siempre sorprendente David Bowie. 

Berlinische Galerie

La Berlinische Galerie presenta al público en sus 4.600 metros cuadrados de superficie, con una exquisita iluminación y una cuidadosa organización de las obras, una vasta compilación de Artes Visuales como pintura, escultura, artes gráficas, así como de fotografía y arquitectura. 

Se trata de uno de los museos más jóvenes de la capital cuya colección abarca arte producido en Berlín desde 1870 hasta la actualidad con el foco puesto a un mismo tiempo en el arte local y en los reclamos internacionales. 

Fue fundada en 1975 como asociación e inaugurada como museo en su actual localización en 2004, un espacioso edificio industrial situado en el barrio de Kreuzberg. 

De entre lo mucho y de gran calidad que ofrece la Berlinische Galerie, nosotros queremos centrarnos en el enfoque de entre guerras, con una recopilación de obras que datan de entre 1918 y 1933. El Dadaísmo y la Nueva Objetividad son las corrientes más representadas en esta exposición, como también la Vanguardia del Este de Europa. 

Nos situamos en la primera planta donde se encuentra la exposición permanente. Sorprende como en el fácil recorrido por las diferentes salas se puede percibir muy bien el contexto histórico de cada corriente así como de cada obra. En el período que nos ocupa (salas 3, 5, 6, 8, 9 y 10) están claramente representados los horrores de la Gran Guerra que han quedado en la retina de muchos de los artistas, el hambre y la miseria de la postguerra, la ruptura con los convencionalismos impuestos por el Imperio, la revolución, el abandono al experimento de permisividad de los Dorados Años 20, la prostitución, la hiperinflación y el nacimiento de los nuevos ricos, la creciente pobreza, el afán por construir, la fuerte industrialización, etc. Todo aquello que fue marcando el pulso del país y de la metrópolis, tuvo cabida en las obras de estos autores.

Tras la I Guerra Mundial muchos fueron los artistas que sintieron la necesidad de romper drásticamente con todo lo anterior. Se terciaba para ellos un nuevo comienzo. El mundo se había reorganizado a su alrededor, el mapa geopolítico se había transformado y algunos países, como Alemania, se enfrentaron a cambios mucho más radicales que le hicieron tener que empezar de cero en muchos sentidos, además de cargar con una gran deuda por daños de guerra que condicionaría su desarrollo hasta mucho después.

Inmersos en este panorama, muchos artistas comprendieron que para poder construir una nueva sociedad debían trabajar conjuntamente los diferentes géneros artísticos (pintura, escultura, fotografía y arquitectura). El Novembergruppe (Grupo de Noviembre) se posicionó como una respuesta a la Revolución de Noviembre de finales de 1918. Jóvenes artistas revolucionarios de muy diversos estilos se juntaron formando este grupo, incluyendo a Arthur Segal, El Lissitzky, Rudolf Belling y Otto Bartning. Deseaban ganar influencia en las políticas del arte y demandaban la oportunidad de cooperar en proyectos en edificios públicos y en las asignaciones de espacios expositivos.
Los miembros de este grupo organizaron muchos eventos que trascendían la esfera de las Bellas Artes, como veladas de conciertos de música contemporánea y proyecciones de películas. (Traducción libre del texto de la BG).

En la Sala 3, bajo el título "La Reorientación de la Vanguardia, Arte tras la Primera Guerra Mundial a partir de 1918", se muestran obras de artistas pertenecientes a este grupo. De entre todas, una nos llamó especialmente la atención. Una suerte de cómic realizado en óleo sobre lienzo donde Arthur Segal cuenta la dramática historia de un pintor.

The Artist's Life on Earth "The Painter", 1921

En esta misma sala se presenta un proyecto arquitectónico en madera no llevado finalmente a cabo, obra de Otto Bartning, y ejemplo de arquitectura expresionista.

Modelo Iglesia en Estrella, 1922
Fuente: Berlinische Galerie

De El Lissitzky encontramos esta serie de litografías ya en la sala 8 dedicada al Constructivismo de los Años 20, con subtítulo "Berlín como eje entre el Este y el Oeste".

Título y descripción de la serie de litografías de
"El Lissitzky"

"El constructivismo implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se realice siguiendo métodos análogos". (Fuente: Todacultura.com) 

También en la Sala del Constructivismo descubrimos esta conocida obra de 1921 de Iwan Puni, "Músico Sintético"(Óleo sobre lienzo).

Fuente: Berlinische Galerie

Iwan Puni llegó a Berlín en 1920, donde tomó parte activa en la escena vanguardista. Ya en 1921 consiguió hacer una exposición individual en la Galería "Der Sturm" de Herwarth Waldens. Transformó toda la galería en una obra de arte e hizo que caminaran por la Kurfürstendamm  hombres-sandwich vestidos en un estilo cubista. 
Su obra "El Músico Sintético" que muestra una figura musical chaplinesca, en la que Puni aúna elementos realistas y cubistas, suscitó gran interés en la "Gran Exposición de Arte de Berlín" de 1922. 
Curiosamente, se dice que hasta en su estilo de vida se podía apreciar la influencia del maestro Picasso.  

En las salas destinadas a la Nueva Objetividad (9 y 10) se despliegan obras de los grandes autores de esta corriente que logra como ninguna otra expresar el ambiente que se respiraba en el Berlín de los Años 20. Otto Dix, Christian Schad, Rudolf Schlichter, Jeanne Mammen, George Grosz...

En la década de los 20 la democracia alemana seguía siendo política y socialmente inmadura. Después de la I GM muchos fueron los esfuerzos que se tuvieron que hacer para mantener la estabilidad de la República de Weimar. Durante esos años en Berlín un grupo de artistas desarrollaron un estilo que pronto se hizo llama "Nueva Objetividad". No estaban unidos por un manifiesto de ningún tipo pero orientaron su arte hacia el mundo visible. En este sentido dieron la espalda al carácter destructivo del Expresionismo y a la actitud anti-burguesa del Dadaísmo. Ellos dibujaban personas y cosas aisladas unas de otras en el espacio pictórico. Las composiciones resultantes eran sobrias, claramente construidas, objetivamente precisos retratos de personas en un fondo a menudo simbólicamente codificado. Este movimiento artístico con su interesante lenguaje formal representa un contraste con el fervoroso ánimo de la época.
De un modo similar, los fotógrafos de la Nueva Objetividad se basaban en un estricto y objetivo lenguaje. Su objetivo era representar objetos con su simplicidad y belleza inherentes. (Traducción libre del texto de la BG).

Allí encontramos por ejemplo esta famosa obra en óleo y témpera sobre lienzo de Otto Dix (de 226 x 120 cm). Der Dichter Iwar von Lücken

D El poeta Iwar von Lücken, 1926
Fuente: Berlinische Galerie

También nos topamos con una serie de retratos de la fotógrafa Marion (Anny Fuchs) que tuvo su estudio en Berlín ya en la década de los 30. Sin título. 

Y una peculiar visión de una "Escena callejera berlinesa" de 1921 del pintor Nikolaus Braun. Óleo sobre madera prensada. 

Fuente: Weimarart

En la sala dedicada al Dadaísmo (5) "Arte radical en la República de Weimar desde 1918", uno tiene que tomarse tiempo, sentarse y echar un vistazo alrededor. Descubrirá un entorno donde se disponen de forma caótica letras, dibujos, carteles, fotos y extrañas formas. Luego de leer un resumen del Manifiesto Dadaísta y pasar a admirar pieza por pieza, se entiende al final que... Dada no significa nada. 

El movimiento Dadaísta se desarrolla como una respuesta artística y política a la catástrofe de la I GM. Sus principales representantes en Berlín fueron Hannah Höch, Raoul Hausmann, John Heartfield, George Grosz y Johannes Baader. Los dadaístas adoptaron en sus obras una postura radical contra el nacionalismo y militarismo alemanes. Al mismo tiempo, se distanciaron sin lugar a dudas de la tradición cultural, por considerarla obsoleta. DADA descubrió nuevas formas de expresión artística que combinaban con propósitos didácticos. En sus imágenes así como en sus apariciones en escena, el shock y la provocación estaban destinados a estimular un autorreflexión en la sociedad.  

Collages, la creación de imágenes a partir de recortes de periódicos pegados en un nuevo soporte fue el medio primario de DADA. Los artistas podían utilizar esta forma para comentar de un modo irónico y mordaz lo absurdo que era el mundo durante la República de Weimar. Negaban la "creatividad del genio", la tradicional comprensión y aproximación burguesa del arte.  

Fue una actitud intelectual más que un estilo propiamente hablando lo que unió a DADA.

(Traducción libre del texto de la BG). 

En resumen, una visita altamente recomendada a este magnífico museo al que seguro volveremos! 

Fuentes: Página web de la Berlinische Galerie y traducciones de textos de la Exposición permanente. 

Museo de Fotografía Helmut Newton

Fuente: Guía de Alemania

Al llegar al Museo de Fotografía Helmut Newton de Berlín se encontrarán con un gran edificio que data de 1909 y que tuvo la función de comedor para los oficiales del Káiser. Tras el desarme de Alemania (impuesto por el Tratado de Versalles) se convirtió en los años 20 en un teatro, el "Theater der leichten Muse". Desde 2004 y gracias a una gran donación del artista se utilizó como Museo para la Fotografía, un museo alentado por la fundación que lleva su nombre. El Museo se encuentra en la Jebenstraße, 2 y para llegar debe bajarse en la estación "Zoologischer Garten" a la cual puede acceder en tren (S-Bahn) o metro (U-Bahn). 

Helmut tuvo muy claro desde niño que quería ser fotógrafo. Tenía doce años cuando con el dinero que ahorró de su paga semanal se compró su primera cámara, una Agfa Box (cámara que se puede ver en el museo). Se subió en el metro y comenzó a disparar. Tras recoger el resultado de sus primeras incursiones fotográficas descubrió que solo una de ellas merecía la pena y se convirtió en su primer y único motivo fotografiado: la torre de radio. Corría el año 1932.  

Nacido como Helmut Neustädter el 31 de octubre de 1920 en el barrio de Schöneberg (Berlín), asistió a clases de fotografía con dieciséis años. Su profesora era la famosa fotógrafa de moda Yva (Else Neländer Simon). El atelier se encontraba muy cerca de Kurfürstendamm y allí aprendió las técnicas de revelado y tratamiento de papel fotográfico. Su tarea para el fin de semana era tomar fotos de sus amigas.  

Tuvo que emigrar necesariamente y, antes de partir, lo último que vio de Berlín fue la Estación del Zoo. No es por eso casual que el museo de fotografía que lleva su nombre esté situado justo al frente de dicha estación. 

Considerado hoy en día como uno de los mejores retratistas de desnudos del siglo XX, antes de fallecer donó gran parte de su obra al museo. También era su deseo presentar y alternar en este mismo lugar diferentes exposiciones. Para tener más información de las exhibiciones actuales pinchar AQUÍ. 

Fuente: Viajeyturistas

La exhibición permanente muestra propiedad privada del artista que retrata de forma excepcional su vida. Incluye películas en las que se le descubre desarrollando su particular estilo, su colección de cámaras y accesorios y una extensa colección de sus publicaciones en revistas de moda como Vogue, Elle, Vanity Fair, Paris Match, Stern y Der Spiegel. 

En la exposición de sus obras se puede apreciar claramente la influencia que tuvo siempre en él la fotografía de los Años 20, como en sus frías puestas en escena de un agresivo erotismo y en sus dramáticos contrastes blanco negro.  

En el archivo del museo se pueden encontrar además, fotografías de la que fuera su maestra, Yva, así como de otras fotógrafas de moda muy conocidas como Lilli Niebuhr o Sonja Georgi. 

Helmut Newton
Fuente: Elle

Berlin, años 20: Así llegó el Jazz (Parte I)

En la década de los 20 comenzaron a llegar a la metrópolis las bandas de Jazz provenientes de EEUU desatando una fiebre que se extendió rápidamente por la capital de la cultura y el placer. Este estilo fue reemplazando progresivamente la música tradicional en los cabarets y teatros de revista de la ciudad pero no fue hasta la estabilización económica, allá por 1924, cuando la mayoría de los berlineses pudieron disfrutar de éste.

En un principio, el sentimiento de atracción se centraba en su aspecto más exótico encarnado por la gran Josephine Baker y el teatro de revista del que era protagonista: “La Revue Négre”. En diciembre de 1925 llegó la cabaretista estadounidense a Berlín para presentar su espectáculo en el Theater De Westens. El público quedó absolutamente fascinado.  A partir de entonces, se dijo, “las mujeres de Berlín no volverían a ser las mismas”.

Se consideraba al mismo tiempo que este show reforzaba y subvertía los estereotipos raciales. El ejemplo más evidente es la performance intencionalmente ridícula “Danza de los salvajes” en la que los bailarines portaban taparrabos y Josephine la famosa falda hecha de plátanos.

En el mismo año otro famoso espectáculo llegó desde Nueva York al Admiralpalast de Berlín el musical “Chocolate Kiddies”.  

Sam Wooding y su Orquesta fueron seleccionados para el nuevo teatro de revista que se estaba diseñando para ir de tour por Europa. Una idea concebida por el vaudeville de Rufus y Drayton, con Edith Wilson y Adeline Hall como vocalistas y Tommy Ladnier como estrella solista. Treinta coristas, otros tantos bailarines y comediantes completaban la crew. En el show se interpretaban once temas musicales, muchos de ellos de Duke Ellington.

Chocolate Kiddies (European Tour)

"Sam Wooding & His Chocolate Kiddies" son reconocidos por ser de las primeras bandas en traer el Jazz a Europa. Entre 1925 y 1926 realizaron varias grabaciones en Berlín. Entre los temas editados se encuentra éste:

Todos los periódicos se hicieron eco de ambos espectáculos describiéndolos como primitivos, primigenios y, al mismo tiempo, absolutamente modernos y arrolladores.  

” Son una mezcla de bosque primitivo y rascacielos; como su música, el Jazz, con sus colores y ritmos. Ultramoderno y ultraprimitivo". 

” Nos han traído nuestra cultura. La humanidad ha vuelto a sus orígenes en los pasos, las sacudidas y cuerpos liberados.  Son la expresión más profunda de nuestro anhelo más íntimo”.

Tal fue la profunda huella que dejaron en la ciudad que Josephine Baker escribió en sus memorias: “En los periódicos berlineses escribieron que yo era la personificación del expresionismo alemán de hoy, del primitivismo alemán… ¿qué significa todo eso?”.

**-**

Poco a poco la gente comenzó a tomar en serio el jazz como una forma de arte. Los músicos alemanes comenzaban a sentir verdadero interés por este estilo musical que tan novedoso y ajeno a todo lo anteriormente conocido les parecía. Fueron dando pequeños y discretos pasos aproximándose al estilo en un principio por imitación. Los instrumentos que más facilitaron la aproximación inicial al Jazz fueron el saxofón y la percusión.

Sin embargo, el fraseo, las tonalidades y la improvisación no les resultaban sencillos a los músicos germanos. En Alemania es el clarinetista Eric Brochard el considerado como uno de los pioneros del Jazz por ser de los primeros en interiorizar el estilo y tener éxito en los escenarios.

El primer "Libro alemán de Jazz" fue publicado por Alfred Baresel en 1926. En 1928 Bernhard Sekles, director del Conservatorio en Frankfurt am Main, puso en marcha una primera clase de jazz. La ópera jazzística de Ernst Krenek titulada "Johnny spielt auf" se convirtió en un éxito de taquilla en 1927.

Incluso renombrados compositores de música clásica como Paul Hindemith y Kurt Weill comenzaron a interesarse por las formas de expresión del jazz y aproximarse a ellas en sus obras posteriores. De Kurt Weil cabe destacar la archiconocida obra musical y éxito de taquilla en el Teather am Schiffbauerdamm de Berlin "La Ópera de Tres Centavos" escrita por Bertolt Brecht. 

La metrópolis estaba en su mayor apogeo artístico, cultural y la científico. El estilo de vida de esos años locos era especialmente rebelde y estaba influenciado en muchos aspectos por el Swing y el Jazz. El Charleston se convirtió en el baile más popular, pero también se bailaban incansablemente el Fox-trot y el Tango. Y paralelamente a las voces de la gran Marlene Dietrich y Zarah Leander sonaban con fuerza las notas del Swing americano y las memorables melodías de las bandas de Jazz de George Gershwin, Fletcher Henderson e Irving Berlin. 

Comedian Harmonists

Berlín, años 20. La ciudad late al ritmo de de los cientos de espectáculos que acontecen cada noche. Al abrir las puertas de el Scala y acceder al gran hall ya se pueden oír de fondo las inconfundibles voces de los "Comedian Harmonists".  El grupo coral más exitoso de todos los tiempos está sobre el escenario del mayor vodeville de toda Alemania haciendo las delicias de un abnegado público.

 - - - * - - - 

Internacionalmente famosos, los "Comedian Harmonists" recorrieron los principales escenarios del mundo entre los años 1928 y 1934. Su sello distintivo era la capacidad individual de sus miembros para crear múltiples texturas vocales que mezclaban con gran virtuosidad para fundirse en el conjunto vocal de manera que cada voz aparecía levemente para volver a desaparecer y así integrarse en el coro haciendo un juego musical exquisito. Cantaban con una armonía cerrada (close harmony) en la que la disposición de las notas cantadas por cada miembro siempre estaban en el intervalo de una octava. Esto contribuía muy positivamente a crear ese sonido compacto y a generar esa sensación sonora de estar escuchando una orquesta entera. El grupo coral quedaba complementado en ciertas ocasiones y de forma discreta por el acompañamiento de un piano.

La historia de los "Comedian Harmonists" comienza allá por 1927 con un anuncio en el Berliner Lokalanzeiger que costó 12,50 Marcos y que rezaba así:

"Actung. Selten. Tenor, Baß (Berufssänger, nicht über 25), sehr musikalisch, 

schönklingende Stimmen, für einzig dastehendes Ensemble 

unter Angabe der täglich verfügbaren Zeit gesucht". 

El talentoso cantante y actor berlinés en paro, Harry Frommermann, intentaba así encontrar las voces adecuadas para formar un quinteto al estilo de "The Revellers", un grupo estadounidense de influencia jazzística que le inspiró a querer crear un equivalente alemán. El anuncio dio la vuelta a Berlín y para las audiciones, que tuvieron lugar en su pequeño apartamento de la Stubenrauchstraße, 47, muchos (más de 70) fueron los que acudieron a la llamada con el ánimo de ser seleccionados.

Pero no fue hasta que hizo acto de presencia Robert Biberti, el hijo de un cantante de la Casa de la Ópera de Berlín, que Frommermann sintió que estaba ante el mejor de los bajos que habían pasado ante él. La profunda y resonante voz de Biberti le sorprendió y convenció de inmediato. Y gracias también a Biberti, Frommermann conoció al resto de los que serían los componentes de "Comedian Harmonists". Él le presentó a Ari Leschnikoff, primer tenor, un búlgaro que había abandonado su carrera militar para dedicarse por completo a cantar profesionalmente. El segundo tenor sería Erich A. Collin que había dejado de trabajar en el campo para estudiar música en una escuela. El polaco Roman Cycowski, un conocido cantante de ópera de los años 20, sería el barítono en el grupo. El sexto hombre y, en ocasiones, la sexta voz fue Erwin Bootz que acompañó al piano al quinteto y junto con Frommermann trabajó en los arreglos musicales. El tercer tenor fue el propio Frommermann.


Una vez formado el ensemble comenzaron de inmediato a trabajar arduamente en los ensayos. Su nombre inicial fue "Melody Makers" y, tras algunos traspiés iniciales, fueron al fin seleccionados en una audición por el productor Erich Charell quien decidió cambiarles el nombre por el de Comedian Harmonists. Su primera actuación fue en 1928 en el teatro de revista "Casanova".

Su repertorio fue conformándose con una gran selección de canciones tanto clásicas como folklóricas a las que Frommermann dio un giro de tuerca con sus arreglos, y de canciones populares y de letras ingeniosas del momento de escritores como Peter Igelhoff, Werner Richard Heymann y Paul Abraham.

Pronto alcanzaron un gran éxito gracias a sus impecables puestas en escena llegando a ser famosos en toda Europa. Entre 1930 y 1933 dieron una media de 150 conciertos al año. Hicieron giras en Viena, París, Amsterdam y Londres. Y en junio de 1934 cruzaron el charco para hacer una gira por USA dando, como colofón final, un concierto a bordo del Saratoga sobre las aguas del río Hudson.
Realizaron múltiples grabaciones y aparecieron en decenas de películas llegando a compartir cartel con la gran Marlene Dietrich.

La crítica dijo de ellos: "Adornan todo lo que tocan" y el autor Peter Dempsey dijo de ellos que "... están bendecidos. A su prodigiosa capacidad vocal y talento musical se unen una gran capacidad para interpretar una amplia variedad de sonidos y estilos musicales".

Su último concierto fue en Hannover el 25 de marzo de 1934.

Se les recuerda como un grupo vocal jamás superado posteriormente, de actuaciones exquisitamente concebidas y de musicalidad implacable.

Se buscan músicos en Berlín

Se buscan músicos talentosos para terminar de formar la "Orquesta Delphi" y tocar en uno de los eventos más rompedores de la temporada, "Exposure Berlin", teatro musical inspirado en el teatro surrealista y el cine mudo expresionista de los "Años 20". El lugar de la performance: el local donde estuviera un día el Cine Delphi, un original y preservado cine mudo de los "Dorados Años de Berlín". 

Una soberbia orquesta tocando en el foso de tan mágico lugar que acompañará la acción del escenario y musicalizará películas al más puro estilo de la incomparable "Metrópolis" de Fritz Lang.

También se tiene prevista la edición de un CD para comercializar. 

Mas info AQUI

Aquí tienen una muestra del proyecto: 

Exposure Berlin @ Absinth Apéritif Soirée 2011 from Per Aspera Productions on Vimeo.

Museo Bröhan

Para aquellos visitantes interesados en profundizar en el arte de finales del siglo XIX y principios del siglo XX les recomendamos una visita al Museo Bröhan, el museo estatal de Berlín de Art Nouveau, Art Deco y Funcionalismo. El período artístico en el que se ubican las obras del museo es el acontecido entre los años 1889 y 1939 y la colección se centra en decoración de interiores, mobiliario, cubertería, cristalería, útiles de cocina, decoración en porcelana y plata, etc., de las etapas antes mencionadas. 

Añadir leyenda

También hay un espacio reservado en la segunda planta para la pintura. Allí se muestran exposiciones temporales de artistas de la Secesión berlinesa. Hasta el 2 de septiembre de 2012 se puede disfrutar de una selección de obras del artista Karl Hagemeister.  

Especialmente interesante para complementar la información ofrecida en nuestro Tour "La Era Weimar" son las secciones del museo destinadas al Art Deco y al Funcionalismo donde queda constatada la modernidad y avanzada visión de los diseñadores de la época. Merecen especial atención dentro del movimiento Jugendstil (denominación que recibe el Art Nouveau tal y como se desarrolla en los países germanos) Peter Behrens y Bruno Paul por la inconfundible huella que dejaron en Berlín arquitectónicamente hablando. En el museo se pueden apreciar algunos de sus diseños de mobiliario y útiles para el hogar.  

Cafetera
Diseño: Peter Behrens

Dirección: Schloßstraße 1a, 14059 Berlin (frente al Palacio de Charlottenburg)

Precio de la entrada: 6 €

Tip: entrada gratuita el primer miércoles de cada mes. 

Dodo (1907-1998) - Una vida en imágenes

Bajo el título "Dodo (1907-1998) - Una vida en imágenes" se encuentra la interesante retrospectiva de una de las artistas gráficas berlinesas más exitosas de la Era Weimar.

Hasta el 28 de mayo de 2012 se podrá disfrutar de la exposición "Dodo (1907-1998) - Una vida en imágenes" en la Kunstbibliothek de Berlín. Una muestra que, a través de cuadros, fotografías y otros documentos gráficos cuenta la historia de una de las ilustradoras más carismáticas y conocidas de los gloriosos años de la Era Weimar.

Visita la exposición en la Kunstbibliothek de Berlin (Kulturforum, Matthäikirchplatz 6, 10785 Berlin)

Enlace Google Maps.  

Otto Dix: sus años en Berlín

Otto Dix es uno de los pintores alemanes del siglo XX más apreciados cuyas pinturas y obra gráfica han gozado siempre de un gran reconocimiento.

Nació en 1891 cerca de Gera (región de Turingia) en el seno de una familia de clase obrera, hecho que tuvo siempre muy presente. Pronto destacó por su destreza con el lápiz y durante sus estudios elementales su profesor de dibujo, Ernst Schunke, le animó a iniciarse en la carrera artística. Poco después continuó su aprendizaje con el profesor Carl Senff quien más adelante se negó a apoyar al joven en sus comienzos artísticos llegándole a augurar un futuro nada prometedor como pintor.
Desde 1910 a 1914 Otto Dix se forma en la Escuela de Artes y Oficios de Dresde. Allí se nutre de estilos muy variados como el de los pintores renacentistas alemanes. Comienza a experimentar con el cubismo, el futurismo y más adelante el dadaísmo. Y es en esta etapa cuando comienza a hacer sus primeros autorretratos.
En definitiva, una fase donde experimenta con pluralidad de estilos pero en la que, fundamentalmente, se deja inspirar por la filosofía de Friedrich Nietzsche.

La Gran Guerra

 

De la serie gráfica "Guerra", 1924. Otto Dix

Como a muchos artistas contemporáneos, la I Guerra Mundial deja marcada en Otto Dix una profunda huella que poco después se irá dejando ver en gran parte de su obra. Y es que el artista vive en primera persona el horror de la guerra, primero como voluntario y posteriormente como soldado raso.
Su producción en estos años es, no obstante, profusa. Realismo, expresionismo, futurismo, abstracto... estilos entremezclados en colecciones realizadas a lápiz, tiza y tinta.

Los años de la República de Weimar

Al terminar la guerra, Dix puede continuar con su formación. Vuelve a Dresde donde se inscribe en la Academia Estatal de Arte. Allí funda junto con otros artistas expresionistas y dadaístas el "Dresdner Sezession-Gruppe 1919". De esta forma, este grupo se separaba de los movimientos artísticos más tradicionales tornándose en estilos más progresistas. Juntos realizarán varios collage de carácter crítico, fundamentalmente de fuerte crítica social.

Otto Dix y Berlin

A principios de la década de los 20 Dix establece los primeros contactos con el dadaísmo berlinés, concretamente con Georg Grosz y John Heartfield.

De la serie gráfica "Guerra", 1924. Otto Dix

Karl Nierendorf, un apoderado comerciante de arte, publicó su monografía "El ciclo de la guerra" y se decide finalmente a representar a Dix, lo que dio lugar a que se le apodara graciosamente con el nombre de Nierendix, dada la estrecha relación comercial que se estableció entre ambos.

Poco a poco Dix va haciéndose un nombre en la metrópoli hasta conseguir hacer una exposición individual de dibujos y acuarelas en el Kronprinzenpalais que cosechó grandes éxitos.

A finales del 1925 se establece en Berlín. En 1926 se muda a un apartamento en la famosa Ku'damm. En los alrededores de esa zona del elegante barrio de Charlottenburg al sur del Tiergarten se encontraban las galerías más importantes de todo Berlin. De hecho, el apoyo de los galeristas fue un factor decisivo en el desarrollo del arte berlinés de la época.

En la zona estaba también el "Romanisches Café", un famoso punto de encuentro de la élite artística de Berlín donde se daban cita los dadaístas y los reconocidos pintores de la Secesión, entre ellos, Otto Dix.

El Salon I, 1921. Otto Dix

Mientras que al principio de los "años dorados" se dedicó principalmente a desarrollar el estilo dadaísta y el expresionismo, en la segunda mitad de la década se unió al movimiento de la "Nueva Objetividad". En su etapa expresionista-dadísta dibujaba cuerpos desfigurados de soldados lisiados en la guerra y prostitutas en burdeles de un modo grotesco. Su brutal forma de realismo fue tornándose más agresiva hasta encontrarse con el verismo, enclavado dentro del estilo de la Nueva Objetividad del cual Dix fue un maestro.

Por tanto, son sus años en Berlin los que le hacen ascender al zenit de su carrera convirtiéndolo en una figura destacada e imprescindible del modernismo alemán creando un sello muy particular como retratista de la escena bohemia e intelectual de la República de Weimar.

Supo plasmar como nadie los horrores de la guerra así como las imágenes cotidianas de una ciudad desestructurada y decadente de grandes contrastes. Otto Dix vivió lo suficiente en Berlín como para reflejar todas aquellas impresiones que percibía a su alrededor.

Fue uno de los fundadores clave de la Nueva Objetividad, movimiento que se enfrentaba al expresionismo en tanto que se volvió más social y comprometido políticamente.

De Otto Dix y de otros grandes artistas de la época hablamos en nuestro "Tour Los Dorados Años 20 en Berlín".