Lemper y Weill, un binomio muy especial

El binomio Kurt Weill y Ute Lemper nos viene a demostrar como la música berlinesa de los años 20 continúa perpetuándose a través de los años de la mano de artistas polifacéticos y geniales.

Definir a Ute Lemper como actriz y cantante es quedarse muy corto. Su vasta y variada carrera ha ido dejando una profunda huella en escenarios teatrales, películas, conciertos y, como no, en sus propias grabaciones. Ha sido universalmente alabada por sus interpretaciones de las canciones del cabaret de Berlín, los trabajos de Kurt Weill y Bertolt Brecht y el Songbook francés así como por sus propios trabajos y composiciones con clara influencia jazzistica. Sobre las tablas del teatro son más que remarcables sus interpretaciones en Broadway, Paris y Londres.

Ute nació en Münster, estudió danza en Colonia y teatro en Viena. Terminados sus estudios comenzó ya una imparable y pródiga carrera artística. Destacables son sus interpretaciones como Sally Bowles en el Jerome Savary's Cabaret de Paris por la cual recibió el premio Moliere a la mejor actriz de Musical. También interpretó a la cabaretera Lola en la obra “El Ángel Azul” a su paso por Berlín. Y colaboró con Pina Bausch y su teatro de danza en la creación de la Weill Revue.

Actualmente Ute Lemper recorre el mundo con varios espectáculos diferentes a la vez. Canta, dada esta variedad, en seis idiomas distintos: ruso, yiddish, español, inglés, francés y, por supuesto, alemán. 

Su incuestionable gusto por el cancionero alemán de los Años Dorados queda constatado en muchos de sus espectáculos. Por ejemplo, en la serie de conciertos con la Lincoln Orchestra con Wynton Marsalis a la cabeza, cuyo programa fue dedicado por completo a la música de Kurt Weill. En sus recitales, acompañada casi siempre solo por un piano, también incluye a Weill y Bertolt Brecht, interpreta canciones del Cabaret berlinés, rinde homenaje a Marlene Dietrich,... 

En sus discos también queda reflejada esta pasión. Ejemplos los tenemos en títulos como Ute Lemper Sings Kurt Weill (Vols. I y II), La ópera de los tres centavos, Mahagonny Songspiel, Illusions, Life is a Cabaret y Berlin Cabaret Songs (con versiones en inglés y alemán).

También grabó un disco titulado Punishing Kiss, con canciones compuestas para ella por artistas como Elvis Costello, Tom Waits, Philip Glass, y el mismísimo Nick Cave.

Kurt Weill nació en Dessau en 1900 y con 18 años se trasladó a Berlín para estudiar composición en la Academia Superior de música con Engelbert Humperdinck y cursó también estudios musicales en la Universidad Friedrich Wilhelm. Estudios que no terminó porque decidió volver a Dessau. En 1921, no obstante, regresó a Berlín para hacer una maestría con Ferrucio Busoni, el considerado por las jóvenes generaciones musicales como el más significativo compositor del siglo XX. Un año después conoció al famoso dramaturgo expresionista Georg Kaiser y en casa de éste se topó con la que sería su mujer en poco tiempo, Lotte Lenya. En menos de un año ya vivían juntos y al siguiente se casaron. Ese mismo año Weill compuso su primera ópera para un libreto de Georg Kaiser llamado “El Protagonista” (cuya premiere tuvo lugar en la Ópera Estatal de Dresde el 27 de marzo de 1926).

Weill comenzó a buscar un nuevo libreto en el que trabajar y a finales de abril de 1927 encontró a Bertolt Brecht. La primera producción llevada a cabo por ambos fue Songspiel Mahagonny, cuya premiere en el Festival de Baden-Baden fue todo un escándalo.

En mayo de 1928 viaja, junto a Lotte Lenya, Brecht y Helene Weigel, a la Riviera francesa, lugar que vio nacer y desarrollarse una gran parte de la famosa “Ópera de los tres centavos” que se estrenaría el 31 de agosto en el Theater am Schiffbauerdamm de Berlin. Nadie era consciente entonces de que estaban ante una de las más exitosas obras de teatro del siglo XX.

El trabajo junto a Brecht continuó con obras como Happy End, Berliner Requiem, dem Lindberghflug y “Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny”. El estreno de ésta última tuvo lugar en Leipzig el 9 de marzo de 1930 siendo recordado como el mayor escándalo en la historia del teatro de la República de Weimar. Llegaron a sufrir boicots.

En 1931 la colaboración entre Weill y Kurt llegó a su final. Así como también llegó a su final la estancia en Berlín a la llegada del nacionalismo al poder. Se vio obligado a huir a Francia en 1933 y en ese mismo año de divorció de Lotte Lenya.

A continuación, os dejamos con algunas de las puestas en escena de Ute Lemper cantando por Kurt Weill.







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Alabama Song: la historia de una canción

Alabama Song es el tema más conocido de la Ópera de tres actos de Bertolt Brecht y Kurt Weill „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ (Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny).

Alabama Song apareció por primera vez en una colección de cinco poemas publicados por Bertolt Brecht en 1927, llamada „Die Hauspostille“. Fue escrita en inglés e interpretada por él con su propia música por escenarios de todo Berlín. Pronto se le acercó el que sería en un futuro cercano un gran colaborador, el compositor clásico Kurt Weill, quien estaba impresionado por la poesía de Brecht y que quería ampliar sus posibilidades componiendo música para sus textos con la intención de potenciar así el dramatismo y la sátira que contenían. 

La canción fue acompañada a partir de entonces por la música de Weill y presentada al público en el Festival de Baden-Baden de 1927 bajo el nombre “Songspiel Mahagonny”, siendo Lotte Lenya (esposa de Weill) la que cantara la voz principal. La recepción de la obra por parte del público fue muy controvertida, abucheándola y aplaudiéndola a partes iguales. 

Al regresar a Berlín, Brecht y Weill se pusieron a trabajar en una versión ampliada de Mahagonny, teniendo que aplazar este trabajo para poder terminar la aclamada Ópera de los Tres Centavos (Die Dreigrosschenoper).

Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny fue puesta en escena por primera vez en Lepzig allá por 1930, con la Alabama Song interpretada por el personajes de Jenny y sus compañeras prostitutas. La canción siempre fue cantada en inglés aunque el resto de la ópera es toda en alemán originalmente.
Aún no siendo parte del elenco de actores en la producción de Leipzig, Lotte Lenya grabó la canción para el sello Ultraphon en 1930. 

De hecho, Lotte Lenya continuó interpretando esta canción a lo largo de toda su carrera. Esta que podéis ver es una versión de 1958. 



Casi tanto como la contemporánea „ Die Morität von Mackie Messer (‘Mack The Knife’), Alabama Song ha pasado a ser un clásico, grabado e interpretado cientos de veces por muy diversos artistas, entre ellos, The Doors, Marianne Faithful, Nina Hagen e incluso la inigualable Bette Midler. 

Aquí tenéis una versión muy especial de un cantante que vivió en Berlín en los 70 y que en 1978 hizo su propia interpretación de Alabama Song el siempre sorprendente David Bowie. 

Cabaret - El Musical

No pierdan la ocasión de ver este gran musical si están por Berlín este verano. Hasta el 1 de septiembre de 2013 tienen la posibilidad de disfrutar de un gran despliegue de ingenio, elegancia y calidad interpretativa y escénica en el Tipi am Kanzelarmt que vuelve a albergar, al fin, el musical Cabaret. Regresa a la ciudad que sirvió de inspiración a la historia que narra, ambientada en un Berlín de los años 30 justo antes del ascenso del nacionalsocialismo al poder. 

El musical no es una adaptación de la película. De hecho, la adaptación de la obra del escritor Christopher Isherwood "Adiós a Berlín" fue anterior a la aparición del film. Se trata, por tanto, de la producción teatral original que realizó Joe Masteroff a partir del guión de John van Druten I am a Camera (1951) que a su vez se basa en la novela de Isherwood. La première del musical tuvo lugar el 20 de noviembre de 1966 en el teatro Broadhurst de Broadway (NY).  

La música corrió a cargo de John Kander y las letras de las canciones a Fred Ebb. 

El show contiene más piezas musicales que la película así como más personajes y profundiza más en aspectos políticos y los problemas sociales de la época. 

Breve sinopsis: 

El escritor Clifford Bradshaw llega a Berlín en 1929 en busca de inspiración para una nueva novela. Al llegar alquila una habitación barata en la pensión de la Señorita Schneider y es invitado a celebrar por Ernst Ludwig, a quien ha conocido en el tren de llegada, el fin de año en el Kit Kat Klub, uno más de los cientos de templos del placer que hay en la metrópoli. Un despliegue de sátira y erotismo sorprende a  Bradshaw que queda rápidamente pasmado. El Maestro de Ceremonias guía a los presentes a mundos de hedonismo y crítica despiadada. Allí conocerá finalmente a Sally Bowles, la cantante y bailarina que determinará en gran parte sus vivencias en la ciudad. 

Berlín está sumida en el caos. La hiperinflación arrasa con todo. La extrema derecha se va haciendo progresivamente con el control. Todo está apunto de cambiar radicalmente y nadie parece vaticinarlo. Los cabarets están llenos de gentes que huyen de los problemas y buscan saciar su sed de entretenimiento mientras, en las calles, las convulsiones políticas y económicas aumentan la oleada de violencia.  

  

Con este punto de partida nos encontramos ante un espectáculo de más de dos horas y media de duración donde no falta detalle, ni grandes interpretaciones, ni buenas coreografías, ni grandes temas como el famoso "Maybe this time" que a más de uno hace saltar la lágrima. (El enlace es, no obstante, de nuestra queridísima Liza Minnelli).   

Mención especial merecen los músicos, una banda no solo muy profesional y de exquisita técnica sino también unos actores integrados completamente en el show que dan mucho juego durante todo el espectáculo. Lo hacen muy divertido. Y qué decir de las coristas, las KitKats, desinhibidas y provocativas en todo momento. El Maestro de Ceremonias, el conductor del show, la conciencia, el gran papel de la obra. Y Sally... la encarnación de la divina decadencia... Y, en general, todos los personajes que, cada uno en su papel, hacen brillantes interpretaciones. 

Éste debería ser un musical permanente en Berlín, como decíamos, la ciudad que inspiró aquella novela que dio lugar a esta obra. El testigo de una historia que a ratos es autobiográfica y que retrata muy bien el aire que se respiraba en aquellos años. Quizás el año que viene vuelva a los escenarios, ¡esperemos que así sea!

Si bien es cierto que para el visitante puede ser algo incómodo porque los diálogos son en alemán, la puesta en escena es tan deliciosa, es tal la calidad, que suple todo lo demás. Así como el lugar, El Tipi am Kanzleramt, una localización excelente. 

Eso sí, no es barato. Pero lo vale, LO VALE!

Cabaret en Tipi am Kanzleramt

Große Querallee
10557 Berlin
(entre la Cancillería y la Casa de las Culturas del Mundo)

Hasta el 1 de Septiembre de 2013
Tickets desde 44,50€ a 59,50€ (Solo el show)

Para ver fechas visitar:  www.tipi-am-kanzleramt.de
Teléfono de reservas : 030 39 06 65 50

Horario de apertura de la caja para compra de entradas:

De lunes a sábado: 12.00 - 18.30

Domingos y feriados: 15.00 - 17.30

Toast & Jam 2013

La localización escogida este año para el Toast & Jam, una de las ferias vintage más famosas que se celebran en Berlín, fue un lugar verdaderamente encantador: el Heimathafen Neukölln. Para los que aún no lo conozcan y tenga interés hay que destacar que tienen una variada programación regular de conciertos y teatro. El enclave es excepcional.

Así lucía hace ya muchos años... 

Así lucía durante los días en los que se celebraba la Feria Toast & Jam...

Fue en 1896 cuando comenzó a construirse en Rixdorf (nombre que recibía antiguamente el hoy barrio de Neukölln) el llamado "Niesigks Salon". El desarrollo y crecimiento de esta parte de la ciudad hizo que la sala creciera con él. La decoración mezclaba componentes neobarrocos con trazos modernistas y el lugar llegó a convertirse en un lugar para el placer muy destacado en Berlín.  

En los Dorados Años 20 la sala era, en el bullir de la metrópolis, otros de los tantos locales de esparcimiento que abrían sus puertas a la noche para que su público hiciera temblar el suelo a ritmo de Charlestón.   

Volviendo al presente y a la edición 2013 del Toast & Jam, he de mencionar que de todas las propuestas vistas este año tengo que destacar dos que me dejaron prendada y que van muy al hilo de la temática de nuestra Gaceta: Flapper's Borse Artigianali y Miamà Creazioni. ¡La mejor de las paradas para las Flappers coquetas!  

Piezas delicadas, realizadas a mano con gusto y elegancia. ¡Y todo con el color de la bella Italia! Y si no, juzguen ustedes mismos... 

¡Me enamoré!

"Sexo, drogas y charlestón", un viaje a los Dorados Años 20 en Berlín

Tanto si vienen a esta fascinante metrópoli de visita como si viven aquí, si son amantes de los Dorados Años 20, les gustan el Swing y el Jazz, las historias del Cabaret, el cine mudo, la divina decadencia de la que hablaba Sally Bowles... no se deben perder este tour.

Berlin, Años 20: "Sexo, Drogas y Charlestón" es un tour musical, único en su especie, que le transporta a los años locos berlineses y le ilustra a través de canciones, fotografías y un agradable paseo por la ciudad cómo era el modo de vida de aquella época en la que Berlín llegó a ser considerada la capital del mundo.

Aquí se daban cita los más ilustres arquitectos, científicos, escritores, pintores, etc. El imán para una comunidad ávida tanto de conocimiento como de diversión. La "capital del hedonismo" no dejó a nadie indiferente.

Con este tour se podrán comprender los aspectos sociales, políticos y económicos que marcaron el período que vivió la ciudad después de la I Guerra Mundial hasta la llegada de la dictadura nacionalsocialista. 

Pasen y vean un resumen y no duden en contactar con nosotros si se animan a experimentarlo!

Email de contacto: info@berlinepoque.com
Mas info AQUI

BerlinEpoque from Berlin Epoque on Vimeo.

Berlin, Años 20: U-Bahn (El metro)

Aunque ya desde 1902 comenzara a funcionar la primera línea de metro de Berlín, fue en los Dorados Años 20 cuando las más modernas y definitorias líneas y paradas de metro del sobrio estilo berlinés fueron desarrolladas.

Aquel primer trazo de vía unía lo que hoy en día es Warschauer Straße (entonces Warschauer Brücke) y Ernst-Reuter-Platz (antaño llamada "Knie"). Asimismo, se trazó una desviación a través de Gleisdreieck que llegaba hasta el punto más caliente de caos circulatorio de aquellos tiempos: Postdamer Platz. Esta línea (U1) confunde muchas veces al turista, que a ratos ve cómo aparece sobre tierra identificándolo erróneamente con el S-Bahn (tren de cercanías). Una pequeña diferencia que se encuentra entre ambos es que el metro (U-Bahn) desde sus comienzos fue electrificado mientras que el S-Bahn comenzó su trayectoria a finales del siglo XIX siendo de vapor. De hecho, es precisamente en los años 20 cuando se transforma y electrifica finalmente el S-Bahn.

Mapa del S-Bahn de los Años 20

A aquella primera ruta del metro se le añadió en los años 20 la que es hoy en día la línea 6 (U6) que entonces se nombró Línea Norte-Sur y que unía Seestraße (en el distrito de Wedding) con Tempelhof. La realidad era que estas obras ya habían comenzado en 1912 pero la I GM había interrumpido su desarrollo. La inestable situación económica que atravesó Berlín durante los años de la República de Weimar hicieron que estas obras se dilataran en el tiempo. La línea quedó inaugurada finalmente en 1923. 

Mapa de U-Bahn de los Años 20

Por aquella época se construyó otra línea, la U8, que unía Gesundbrunnen (Wedding) y Leinenstraße (Neukölln) con otra ampliación hacia la zona oriental desde Alexanderplatz hasta Friedrichsfelde. La línea U8 es reconocida como una de las mejor conservadas y una monumental construcción para la época con una arquitectura de una estética muy particular. Lo cierto es que para su diseño y desarrollo se cuidó mucho la dirección artística de manera que se consiguiera hacer de cada estación un espacio diferenciado, prestándole para ello atención al uso de los colores y de la luz. Todas, no obstante, encarnaban la sobriedad y el dinamismo de la metrópoli y algunas, brillaban como cuartos de baño (cita del crítico Siegfried Kracauer).  

La empresa dedicada a la construcción del sistema de metro era entonces AEG. Su diseñador jefe, Peter Behrens, dejó su huella en gran parte de la línea Norte-Sur. A él se le debe, por ejemplo, la estación Moritzplatz, que estuvo terminada para 1928. 

Esa parada no estaba en los planos del trayecto de la línea pero gracias a un pago de 5 millones de Reichsmark por parte del consorcio de los grandes almacenes Wertheim se consiguió desviar el tramo de forma que éstos pudieran disfrutar de una conexión muy cercana con el U-Bahn. 

Almacenes Wertheim, Moritzplatz (imagen de 1914) 

También Karstadt, la competencia directa de Wertheim, consiguió, no solo tener cerca una parada de metro, sino disponer de un acceso directo a los grandes almacenes que se construyeron en Hermannplazt en 1926 (y aún en pie hoy en día).

Almacenes Karstadt, Hermannplatz

No obstante, la mayoría de las estaciones de aquella época se le deben al arquitecto sueco y pionero de la modernidad en el diseño de este tipo de espacios Alfred Grenander. Gesundbrunnen, Rosenthaler Platz, Jannowitzbrücke, Kottbuser Tor, Boddinstraße, Rathaus Neukölln, Nolledorfplatz... son solo algunas de ellas. Sin embargo, la estación de mayor tamaño y el mayor desafío llegó con el diseño y construcción de la estación Alexanderplatz. Las obras terminaron en 1930. 

Un año antes, en 1929, se adjudicaron las obras del metro a la empresa BVG (actual responsable).  

Imagen de Alexanderplatz en los años 20 en plenas obras de metro y edificios colindantes

Alexanderplatz en los años 30 cuando ya se había finalizado la construcción del metro y de los edificios Berolina y Alexanderhaus (ambos diseños de Peter Behrens)

Un llamativo logro de la técnica y el diseño que dio como resultado un laberíntico mundo subterráneo al más puro estilo futurista de Lang que posibilitó un tráfico fluido a varios niveles.

Fotos tomadas en Alexanderplatz de los murales que tapan las obras de la línea U5:

Circus Radio Show de Abril ya online!

Para sus oídos señoras y caballeros, el programa más irreverente, divertido y satírico de las ondas berlinesas: el Circus Radio Show. En él podrán disfrutar de pedacitos del Circus Live que se celebró en la Badehaus el 22 de Marzo de este año. 

Y también, como no, de secciones como los Mundos de Harvi, Doctor Cerebro, Director's Cuts, Planeta Yeyé... y nuestro Berliner Luft, dedicado esta vez a Friedrich Hollaender.

En nuestro blog LA GACETA DE BERLIN EPOQUE encontrarán, a partir de ahora, un enlace directo al programa que se emita mensualmente. ¡Para que no se pierdan ni uno!

¡Esperamos que les guste!

Circus Radio Show april 2013 by Circusradioshow on Mixcloud

Berlinische Galerie

La Berlinische Galerie presenta al público en sus 4.600 metros cuadrados de superficie, con una exquisita iluminación y una cuidadosa organización de las obras, una vasta compilación de Artes Visuales como pintura, escultura, artes gráficas, así como de fotografía y arquitectura. 

Se trata de uno de los museos más jóvenes de la capital cuya colección abarca arte producido en Berlín desde 1870 hasta la actualidad con el foco puesto a un mismo tiempo en el arte local y en los reclamos internacionales. 

Fue fundada en 1975 como asociación e inaugurada como museo en su actual localización en 2004, un espacioso edificio industrial situado en el barrio de Kreuzberg. 

De entre lo mucho y de gran calidad que ofrece la Berlinische Galerie, nosotros queremos centrarnos en el enfoque de entre guerras, con una recopilación de obras que datan de entre 1918 y 1933. El Dadaísmo y la Nueva Objetividad son las corrientes más representadas en esta exposición, como también la Vanguardia del Este de Europa. 

Nos situamos en la primera planta donde se encuentra la exposición permanente. Sorprende como en el fácil recorrido por las diferentes salas se puede percibir muy bien el contexto histórico de cada corriente así como de cada obra. En el período que nos ocupa (salas 3, 5, 6, 8, 9 y 10) están claramente representados los horrores de la Gran Guerra que han quedado en la retina de muchos de los artistas, el hambre y la miseria de la postguerra, la ruptura con los convencionalismos impuestos por el Imperio, la revolución, el abandono al experimento de permisividad de los Dorados Años 20, la prostitución, la hiperinflación y el nacimiento de los nuevos ricos, la creciente pobreza, el afán por construir, la fuerte industrialización, etc. Todo aquello que fue marcando el pulso del país y de la metrópolis, tuvo cabida en las obras de estos autores.

Tras la I Guerra Mundial muchos fueron los artistas que sintieron la necesidad de romper drásticamente con todo lo anterior. Se terciaba para ellos un nuevo comienzo. El mundo se había reorganizado a su alrededor, el mapa geopolítico se había transformado y algunos países, como Alemania, se enfrentaron a cambios mucho más radicales que le hicieron tener que empezar de cero en muchos sentidos, además de cargar con una gran deuda por daños de guerra que condicionaría su desarrollo hasta mucho después.

Inmersos en este panorama, muchos artistas comprendieron que para poder construir una nueva sociedad debían trabajar conjuntamente los diferentes géneros artísticos (pintura, escultura, fotografía y arquitectura). El Novembergruppe (Grupo de Noviembre) se posicionó como una respuesta a la Revolución de Noviembre de finales de 1918. Jóvenes artistas revolucionarios de muy diversos estilos se juntaron formando este grupo, incluyendo a Arthur Segal, El Lissitzky, Rudolf Belling y Otto Bartning. Deseaban ganar influencia en las políticas del arte y demandaban la oportunidad de cooperar en proyectos en edificios públicos y en las asignaciones de espacios expositivos.
Los miembros de este grupo organizaron muchos eventos que trascendían la esfera de las Bellas Artes, como veladas de conciertos de música contemporánea y proyecciones de películas. (Traducción libre del texto de la BG).

En la Sala 3, bajo el título "La Reorientación de la Vanguardia, Arte tras la Primera Guerra Mundial a partir de 1918", se muestran obras de artistas pertenecientes a este grupo. De entre todas, una nos llamó especialmente la atención. Una suerte de cómic realizado en óleo sobre lienzo donde Arthur Segal cuenta la dramática historia de un pintor.

The Artist's Life on Earth "The Painter", 1921

En esta misma sala se presenta un proyecto arquitectónico en madera no llevado finalmente a cabo, obra de Otto Bartning, y ejemplo de arquitectura expresionista.

Modelo Iglesia en Estrella, 1922
Fuente: Berlinische Galerie

De El Lissitzky encontramos esta serie de litografías ya en la sala 8 dedicada al Constructivismo de los Años 20, con subtítulo "Berlín como eje entre el Este y el Oeste".

Título y descripción de la serie de litografías de
"El Lissitzky"

"El constructivismo implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se realice siguiendo métodos análogos". (Fuente: Todacultura.com) 

También en la Sala del Constructivismo descubrimos esta conocida obra de 1921 de Iwan Puni, "Músico Sintético"(Óleo sobre lienzo).

Fuente: Berlinische Galerie

Iwan Puni llegó a Berlín en 1920, donde tomó parte activa en la escena vanguardista. Ya en 1921 consiguió hacer una exposición individual en la Galería "Der Sturm" de Herwarth Waldens. Transformó toda la galería en una obra de arte e hizo que caminaran por la Kurfürstendamm  hombres-sandwich vestidos en un estilo cubista. 
Su obra "El Músico Sintético" que muestra una figura musical chaplinesca, en la que Puni aúna elementos realistas y cubistas, suscitó gran interés en la "Gran Exposición de Arte de Berlín" de 1922. 
Curiosamente, se dice que hasta en su estilo de vida se podía apreciar la influencia del maestro Picasso.  

En las salas destinadas a la Nueva Objetividad (9 y 10) se despliegan obras de los grandes autores de esta corriente que logra como ninguna otra expresar el ambiente que se respiraba en el Berlín de los Años 20. Otto Dix, Christian Schad, Rudolf Schlichter, Jeanne Mammen, George Grosz...

En la década de los 20 la democracia alemana seguía siendo política y socialmente inmadura. Después de la I GM muchos fueron los esfuerzos que se tuvieron que hacer para mantener la estabilidad de la República de Weimar. Durante esos años en Berlín un grupo de artistas desarrollaron un estilo que pronto se hizo llama "Nueva Objetividad". No estaban unidos por un manifiesto de ningún tipo pero orientaron su arte hacia el mundo visible. En este sentido dieron la espalda al carácter destructivo del Expresionismo y a la actitud anti-burguesa del Dadaísmo. Ellos dibujaban personas y cosas aisladas unas de otras en el espacio pictórico. Las composiciones resultantes eran sobrias, claramente construidas, objetivamente precisos retratos de personas en un fondo a menudo simbólicamente codificado. Este movimiento artístico con su interesante lenguaje formal representa un contraste con el fervoroso ánimo de la época.
De un modo similar, los fotógrafos de la Nueva Objetividad se basaban en un estricto y objetivo lenguaje. Su objetivo era representar objetos con su simplicidad y belleza inherentes. (Traducción libre del texto de la BG).

Allí encontramos por ejemplo esta famosa obra en óleo y témpera sobre lienzo de Otto Dix (de 226 x 120 cm). Der Dichter Iwar von Lücken

D El poeta Iwar von Lücken, 1926
Fuente: Berlinische Galerie

También nos topamos con una serie de retratos de la fotógrafa Marion (Anny Fuchs) que tuvo su estudio en Berlín ya en la década de los 30. Sin título. 

Y una peculiar visión de una "Escena callejera berlinesa" de 1921 del pintor Nikolaus Braun. Óleo sobre madera prensada. 

Fuente: Weimarart

En la sala dedicada al Dadaísmo (5) "Arte radical en la República de Weimar desde 1918", uno tiene que tomarse tiempo, sentarse y echar un vistazo alrededor. Descubrirá un entorno donde se disponen de forma caótica letras, dibujos, carteles, fotos y extrañas formas. Luego de leer un resumen del Manifiesto Dadaísta y pasar a admirar pieza por pieza, se entiende al final que... Dada no significa nada. 

El movimiento Dadaísta se desarrolla como una respuesta artística y política a la catástrofe de la I GM. Sus principales representantes en Berlín fueron Hannah Höch, Raoul Hausmann, John Heartfield, George Grosz y Johannes Baader. Los dadaístas adoptaron en sus obras una postura radical contra el nacionalismo y militarismo alemanes. Al mismo tiempo, se distanciaron sin lugar a dudas de la tradición cultural, por considerarla obsoleta. DADA descubrió nuevas formas de expresión artística que combinaban con propósitos didácticos. En sus imágenes así como en sus apariciones en escena, el shock y la provocación estaban destinados a estimular un autorreflexión en la sociedad.  

Collages, la creación de imágenes a partir de recortes de periódicos pegados en un nuevo soporte fue el medio primario de DADA. Los artistas podían utilizar esta forma para comentar de un modo irónico y mordaz lo absurdo que era el mundo durante la República de Weimar. Negaban la "creatividad del genio", la tradicional comprensión y aproximación burguesa del arte.  

Fue una actitud intelectual más que un estilo propiamente hablando lo que unió a DADA.

(Traducción libre del texto de la BG). 

En resumen, una visita altamente recomendada a este magnífico museo al que seguro volveremos! 

Fuentes: Página web de la Berlinische Galerie y traducciones de textos de la Exposición permanente. 

Friedrich Hollaender: sus años en Berlín

Friedrich Hollaender 

Friedrich Hollaender es una de esas figuras de la esfera cultural del Berlin de la Era Weimar que destaca especialmente. Artista polifacético y de talento, exprimió al máximo su carrera de compositor creando multitud de obras para revistas, canciones populares, música para películas y letras de cabaret, entre otras muchas cosas. 

El famoso compositor Friedrich Hollaender, aunque criado en Berlín, nació en Londres el 18 de octubre de 1896. Friedrich creció rodeado de una excepcional familia de artistas. Su padre Victor era un afamado compositor de revistas, operetas y canciones populares que hoy en día continúa siendo reconocido por canciones como "Kirschen in Nachbars Garten" y "Schaukellied." Su madre, Rosa Perl, era cantante de variedades. También sus tíos, Gustav Hollaender, director del famoso Conservatorio Stern, y Felix Hollaender, escritor y dramaturgo, que escribió obras para el teatro de Max Reinhard. En ese contexto no fue raro que Hollaender comenzara a demostrar destreza con la música desde muy pequeño. 

Con doce años ingresó en la Musik Akademie para estudiar piano con Engelbert Humperdinck y mas adelante amplió sus conocimientos estudiando composición en el Conservatorio Stern. 

Algo que le fascinaba desde temprana edad era el cine. En aquellos años las películas era aún mudas y en las salas se proyectaban acompañadas de la música en vivo de un piano. Era un habitual del cinematógrafo de la calle Leibniz (Berlin), donde un día, por casualidad, decidió ofrecerse para acompañar la proyección. Su forma de enaltecer cada imagen, sabiendo qué melodía encajaba con cada una, qué detalle, qué expresividad, fue del gusto de todos y siempre le pedían que se quedara „un rato más“. 

En 1913 fundó junto a Heinz Barger la revista literaria „Die Neue Jungend“ (La Nueva Juventud). 

En su juventud viajó varias veces junto a sus padres. Visitó París donde quedó fascinado con los teatros y las puestas en escena que allí acontecían, en especial, con Sarah Bernhardt y con la famosa cantante Mistinguett. Más adelante viajaron a Nueva York donde su padre fue contratado para componer la música de la opereta „The Clairvoyant“. Allí pudo establecer contacto con figuras como Irving Berlin y Al Jolson. Lamentablemente a media visita tuvo que volver con urgencia a Berlín. Había estallado la „Gran Guerra“. 

Durante la I GM, con tan solo 18 años, sirvió en el ejército como director musical, entreteniendo a las tropas en el frente destinadas en Francia. 

Blandine Ebinger y Friedrich Hollaender

Poco después de la guerra, empezó su carrera en el teatro escribiendo música para producciones de Max Reinhardt y fue el compositor estable para "Schall und Rauch" ("Sonido y humo"), considerado el primer cabaret de la metrópolis. Su director, Hans von Wolzogen, tenía en mente fundar un cabaret político-literario para el que necesitaba variedad de artistas. Logró congregar a los que, más adelante, serían grandes figuras del kabarett alemán, todos artistas de renombre con los que colaboraría Hollaender como Kurt Tucholsky, Gussy Holl, Klabund, Walter Mehring, Joachim Ringelnatz, Mischa Spoliansky y Blandine Ebinger. Ésta última llegaría a ser pronto su mujer y musa. De hecho ya en 1919 compuso para ella su primer número de cabaret: „Tritt mir bloß nicht auf die Schuh“. 

Mas adelante trabajó también en otros cabarets literarios como el "Wilde Bühne" ("Escenario Salvaje") dirigido por Trude Hesterberg y en el "Größenwahn" ("Megalomania") dirigido por Rosa Valetti. 

Fue durante este prolífico período en el que Hollander alcanzó la fama y el reconocimiento por la serie "Canciones de una niña pobre" ("Lieder eines armen Mädchens"), escritas para su primera mujer, la cantante Blandine Ebinger. Para estos textos se basó en la obra de Else Lasker-Schüler, una de sus escritoras predilectas. 

Blandine Ebinger en el papel de la Niña Pobre

En los años siguientes continuó escribiendo incontables éxitos y una docena de revistas populares (a menudo junto a Rudolf Nelson y Marcellus Schiffer), incluyendo "Laterna Magica“, "Das bist Du!", "Bei uns um die Gedächtniskirche rum" y "Der rote Faden". 

Cartel de "Der rote Faden"

Escena de la revista "Das bist Du!"

En los „Dorados Años 20“ Hollander supo asimilar con gran maestría la música Jazz, esa que comenzó a llegar a Berlín con gran fuerza a cargo de bandas estadounidensess y a desatar pasiones en el público a ritmo de Charlestón y Fox-Trot. Tal es así que en 1927 llegó a estar al cargo de la dirección de la banda de Jazz Weintraub Syncopators, considerada la pionera en este estilo en Alemania. Un año después grabaron su primer disco. 

F. Hollaender dirigiendo a los "Weintraub Syncopators"

Su carrera en el cine comenzó en 1926 al componer la música de la película „Kreuzzug des Weibes“ (La Cruzada de las Esposas), de Martin Berger. Pero es en 1929, cuando fue contratado para componer la música para la película Joseph Von Sternberg „El ángel azul“ ("Der blaue Engel"), cuando comenzó el verdadero ascenso de Holaender en este terreno. 

Escena de "El Ángel Azul" (al piano f. Hollaender)

La sensual interpretación de Marlene Dietrich de "Falling In Love Again" ("Ich bin von Kopf bis Fuss auf Liebe eingestellt") proporcionó tanto a la actriz como a la canción éxito internacional convirtiéndolas en leyenda. "Falling In Love Again" continúa siendo la pieza más destacada de Hollaender y ha sido interpretada por artistas tan diversos como Brian Ferry, Billie Holiday, Count Basie, Dionne Warwick, Petula Clark, Greta Keller, Linda Ronstadt, Jean Sablon, Udo Lindenberg, Nana Mouskouri, Leontyne Price, Ute Lemper, Sammy Davis Jr., Patricia Kaas y The Beatles. 

El éxito sin precedentes de la película "The Blue Angel" aseguraron a Hollander un puesto como compositor en UFA, los primeros estudios de cine alemanes. 

Previamente a su emigración a los EEUU produjo para ésta una serie de temas para clásicos del cine como "Einbrecher“ (Ladrón) de Hans Schwarz, "Der Mann, der seinen Mörder sucht“ (El hombre que buscaba a su asesino), de Robert Siomak, "Stürme der Leidenschaft" y la comedia musical "Ich und die Kaiserin“, en la cual se estrenó como director. De esta última película filmó tres diferentes versiones simultáneamente en francés, alemán e inglés, usando para cada una diferentes sets de actores. 

Atrapado en el torbellino cultural y artístico de la Alemania de Weimar, en 1931 Hollaender abrió su propio cabaret con el cual alcanzó un gran éxito, el "Tingel Tangel," construído en el lugar en el que poco antes se erigiriera el Wilde Bühne y que había quedado reducido a cenizas tras un fatídico incendio. 

Sus espectáculos eran una de las atracciones más aclamadas del momento y era alavado por su composiciones musicales de Jazz, sus letras ingeniosas y por su audaz sátira política. Su coraje y sus revistas abiertamente anti-Hitler, como "Spuk in der Villa Stern", le hicieron un objetivo de los nazis y casi le costaron la vida. En menos de dos años Hitler había llegado al poder forzando a Hollander y a su segunda esposa, Hedi Schoop, a abandonar Alemania para instalarse finalmente en EEUU. 

Cuando en 1933 Hollaender llegó a Hollywood descubrió con sorpresa que su reputación de „El Ángel Azul“ le precedía, como le sucedió a Marlene Dietrich, y allí continuó escribiendo incontables temas para cine que fueron, en su mayoría, interpretados por grandes actrices de la época.